《婚姻故事》：俗套离婚故事大受好评 独特的镜头语言功不可没
文/勤翻篇儿
平心而论，有些电影的故事本身并无新意，无非就是一个曾经幸福美满的三口之家，因为一些鸡毛蒜皮的小事闹到离婚的地步，又因为孩子的抚养权问题上法庭打官司，彼此身心俱疲，结局两败俱伤。《婚姻故事》就是这样一部电影。
然而就是这样一个常规的、甚至老套的离婚夺子故事，一经面世却大受好评，成为奥斯卡颁奖季大热门。这到底是为什么？
带着深深的好奇，我把这部电影连续看了三遍，终于发现了关窍所在：
除去精彩的表演和细腻的、让观众感同身受的故事之外，镜头语言作为电影重要的叙事手段，发挥了极其强大的作用。
下文将从两方面介绍本片的镜头语言在塑造物理空间和人物心理空间方面的出色表现，并分享三个如何从镜头语言角度欣赏电影的心得体会。
第一部分：不同风格的镜头语言，凸显出纽约和洛杉矶不同的物理空间，描绘出一幅“现代双城记”的美国风情画，同时也是男女主人公心理状态的绝佳象征
影片开场，伴随着查理的旁白，镜头带着观众从查理的视角去认识妮可，进入故事的纽约部分。
这部分采用大量手持拍摄，晃动的镜头时时关注主人公面部表情的细微变化，穿插多角度镜头的快速切换，营造出大都市的快节奏生活。
布鲁克林公寓逼仄的家庭空间，调解员局促乏味的办公室，都很好地体现了大都市中个体的位置。主人公在镜头中是不完整的，似乎在向观众暗示：你眼中的他人的生活，往往只是一些残缺的片段。
纽约部分的画面色调是暖的。剧场、酒馆、公寓，三个主场景的光线都以昏暗的灯光为主，象征着主人公幽深的内心世界。在这些地方，虽然二人之间的物理距离很近，低头不见抬头见，但是心理距离却在一片晦暗中越发疏离。
其中出现两次小角度的仰拍，将妮可和儿子置于对查理的“仰视”中，象征着这场婚姻中男女地位的不对等。
在小剧场，妮可在舞台上表演，舞台后方的大屏幕上也是妮可情绪激烈的面部大特写加独白，混杂着台词、旁白，其他演员的低声呼喊，根本听不清她在说些什么，营造出非常压抑的氛围，象征着妮可不被听见的内心世界已经到了非爆发不可的边缘。
舞台剧排练时，有一场戏别具意味：妮可采用的表演方式，是跳到男演员背上，驾驭他的前进方向。作为导演的查理却让她试试“爬行，但同时要站立” 。妮可的表情有些困惑，但很快就变成充满爱意和欣赏的微笑。视角从这场戏开始第一次转换，旁白由查理变成妮可。
妮可眼中的查理是永远清醒和正确的，而自己因为“不知道自己想要什么”，只能听命于查理。她觉得哪里不对劲儿，不舒服，却又说不清楚。
视角的第二次转换，仍是发生在剧场。同一场戏，妮可跳在男演员背上，显出一股“驾驭”而不是“依附”的强大力量。查理让她“打住”，然后走到妮可面前，陷入沉默。
看完全片才能意识到，这是一个象征，更是一个伏笔，从这里开始，故事从温情脉脉的“夫妻互吹”模式急转直下，直接进入婚姻调解员的办公室。
这时观众才明白，自己刚才被骗了，那些饱含情感的旁白，那些对对方的欣赏，其实是为了完成调解任务而写下的主题作文，未必真实可信，更无法代表两个离婚当事人的当下心境。
妮可不肯按照调解员的要求，当众念出自己写下的“作文”，拂袖而去。下一个场景，第三次切回到舞台剧表演现场，镜头从妮可身后拍向观众席，妮可像查理要求的那样在地上爬行，象征了她在工作关系中的“被观看”地位，和在婚姻关系中的屈从态度。
至此，两个主人公的身份特征、性格特点、婚姻中的主要矛盾，都被功能明确的镜头语言塑造完毕，干脆利落，言简意赅。
与高楼林立、让人喘不过气的纽约相比，洛杉矶的城市风貌就像“摊大饼”——楼房没那么高，节奏没那么快，阳光普照，万里无云。本地人妮可在这样的环境中是相对放松的，也汲取到力量，鼓起勇气请了离婚律师。
在洛杉矶部分，明亮的自然光平铺直叙，镜头逐渐趋于稳定，景别拉开，不再朝人物脸上直怼。人物更多是全身出镜，并且变得渺小，象征着人与空间之间存在着永恒的矛盾——在纽约很窒息，人的独立性需求却被放大；洛杉矶虽然“空间大”，离婚官司却将人物直接虐到局促痛苦的境地。
妮可的女律师办公室宽敞明亮，充满赤裸裸的商业味道。妮可坐在沙发上，此刻的她不再是纽约剧场里的明星，而是一个外表跟大妈无异的离婚妇女。当妮可按照女律师的要求，开始讲述自己的故事时，镜头又开始逐渐向妮可的面部推近，但这样的推近，与纽约部分的“审视”式面部特写截然不同，它是属于女性的，带着怜悯和同情的，温柔地引领观众去近距离地解读妮可的内心世界。
第二部分：出色的镜头语言，既赋予城市以性别属性，也将男女主人公的心理变化嵌套进城市性别属性中，营造出意味深长的对比效果
在纽约的查理，是一个具有掌控感的、自如的、有智慧的男性形象。作为导演和丈夫，他对妮可始终有一种观察和审视的意味，妮可对他来说，更重要的身份是一个能够完成导演想法的女演员，说工具也许有些过分，但这种从创作角度对妻子的审视和塑造，势必会造成“丈夫”这一属性的残缺。
从这个角度上说，纽约是查理的主场，是男性地位占主导的空间，是属于男人的城市。
而事实上，纽约其实并不是查理的老家。他来自印第安纳州，父母酗酒家暴，他年轻时只身闯荡纽约，也是想离家远一点。查理在精神上处于无父无母也无根的孤绝之地，因此他很依赖妮可，却又不愿承认这一点。潜意识里，他不愿妮可回到洛杉矶，却又出于男人的自尊，不肯跟她好好沟通，只在行动上一再拖延，造成妮可日益加深的不满。
在纽约，查理的视角与镜头视角一致，将妮可置于被观看、被审视的境地，而忽略了她作为女人的真实感受和自我意志。
在洛杉矶，妮可的妈妈、妹妹、女性律师与她组成了一个女性为主的视角，镜头和她们保持一致，共同将查理作为观看对象，同时也用美食美酒、母女三人唱歌跳舞的家庭聚会，将洛杉矶这个城市赋予了明显的女性特质。
离开纽约的查理，突然被妮可起诉，一头是等他排练的剧目，一头是非要争取不可的抚养权，这令他显得手足无措，自顾不暇。
相反，妮可一回到洛杉矶，就像一朵干花（妮可在舞台上总也哭不出来）回到了新鲜洁净的温水中，全然绽放开来。她接受了另一种“被观看”——拍摄电视片，这是她遇到查理之前就驾轻就熟的工作，经过舞台剧的锤炼，如今的表现更加游刃有余，并且开始以演员的身份在拍摄现场获得一定程度的话语权。
儿子也喜欢洛杉矶，这里有爱她的外婆和姨妈，还有好朋友和可以尽情奔跑的草地。查理的优势几乎荡然无存。在被精明的女律师逼到墙角的时候，摄影师用一个三角形的房间，和一个仰拍镜头，强烈地外化了查理的现实与内心困境。
然而，镜头语言的女性视角又是柔和的，滤掉了大部分攻击性。影片把离婚过程中血淋淋的、丑陋的部分尽量都交给离婚律师代劳，妮可和查理之间的“撕”只有一场，且以查理抱住妮可道歉而告终。
在这样富有趣味性的性别倒转和权力倒转中，查理和妮可也都在尝试用自己之外的视角看待对方，并因此生出一份怜悯和慈悲。最终，两人还是离婚了。妮可成功转行导演，并获得最佳导演提名；查理也终于明白，剧场不是他的家，不应该把全部身家和全部注意力都投放在剧场里，并主动从纽约搬到洛杉矶，成为大学教授，住在离儿子很近的地方。
影片结尾，长长的林荫道上，妮可把睡着的儿子交到查理手中，蹲下身，为查理系好了鞋带，然后转身上了自己的车。镜头上拉，出现了全片唯一一个全景镜头。
从男性视角到女性视角，再到全能视角（也叫上帝视角），镜头语言的转换，悄无声息地带领观众完成一次层次丰富、情绪饱满的观影之旅。
结语：从镜头语言的角度欣赏一部电影的3点心得
很多时候，我们在看一部电影时，能感受到自己受到了一种莫名的冲击，却又知道那似乎不仅仅来自故事和表演。其实，那就是导演和摄影师隐藏在镜头后面，用镜头语言在偷偷地触动你的心。
我平时看电影，喜欢从镜头的角度、镜头的运动方式和不同的景别三个方面，来读取创作者想表达的深层含义。
1.镜头的角度
通常，仰拍代表着压迫感。比如《肖申克的救赎》中，主人公坐在囚车里进入肖申克监狱，一个仰拍镜头就表现了肖申克的阴森可怕，也预示了主人公即将面对的巨大压力。
在《婚姻故事》中，女律师的仰拍镜头，体现的是她的观点对妮可的强力支持，和对传统观念的挑衅，也在不同程度上给观众造成了心里压迫感。
俯拍则往往带有悲悯色彩。《阿甘正传》开场，镜头随着那根羽毛缓缓上升，升到阿甘的头顶，提示观众即将以上帝视角进入阿甘的人生故事。《牯岭街少年杀人事件》中，一场激烈残酷的群架正在进行，镜头却是一个遥远的俯拍大全景，如同导演在俯瞰自己的青春岁月，也令观众跟他一起产生切肤之痛。
2.镜头的运动方式
这其中，手持摄像机拍摄，通常用来展示主人公的生存环境和动荡的内心世界。在姜文主演的电影《本命年》中，刚刚出狱的主人公扛着行李进入自己居住的大杂院，手持镜头在他身后一路尾随，将即将重新面对社会时内心的不安，和逼仄的环境对人的进一步挤压，展现得淋漓尽致。
3.景别
大家常说，章子怡长了一张天生的“电影脸”，指的就是她幸运地拥有一张巴掌脸，经得起大屏幕的挑剔和放大。特写镜头、近景、中近景、远景，通常会被用来表现主人公不同的内心状态和外界环境作用到人物身上时，产生的不同程度的效果。
或许你会说，我看电影就是图个乐子，想这么多太累了。其实，试着用创作者的眼光看电影，往往会有不一样的收获，下次看电影的时候，不妨试试看哦。
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